古典星光大道

古典星光大道

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杜普蕾 (Jacqueline du Pré, 1945-1987)

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匈牙利大提琴家史塔克在一次乘車時,偶然聽見廣播裡正播放著杜普蕾 (Jacqueline du Pré, 1945-1987)演奏的大提琴曲,於是說:「如此用生命的演奏,她肯定活不長久。」

杜普蕾,出生在一個音樂家庭,四歲時無意間聽到廣播中所傳出的大提琴旋律,從此便愛上了這項樂器。1965年,杜普蕾與倫敦交響樂團錄製了《艾爾加大提琴協奏曲》,轟動了整個樂壇,所有的樂評家都為之驚嘆,從此世人就將杜普蕾和這首大提琴協奏曲劃上等號。1966年跨年夜,杜普蕾在鋼琴家傅聰家裡與巴倫波因初次見面,兩人進而相戀,隔年便在耶路撒冷以猶太教的方式舉行婚禮,並被媒體譽為「音樂界金童玉女的組合」,甚至有人將他們與舒曼 (Robert Alexander Schumann, 1810-1856)及克拉拉相提並論。

正當杜普蕾演奏事業蒸蒸日上,人人稱羨之際,她卻被診斷出罹患了「多發性硬化症」。這無異是對她的演奏事業宣判了死刑。由於疾病使得她全身的關節漸漸硬化,杜普蕾終究不得不揮淚告別樂壇。直到1989年10月19號,杜普蕾在她自己最愛的舒曼 (Robert Alexander Schumann, 1810-1856)大提琴協奏曲樂音陪伴下離開人世,享年42歲。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

皮耶佐拉 (Astor Piazzolla, 1921-1992)

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19世紀末,歐洲出現經濟危機,當時阿根廷推出很吸引人的移民政策,光是它的首都布宜諾艾利斯就湧入6百萬的移民,可是後來阿根廷土地改革失敗,新移民沒有落腳之處,只好在港口逗留。

所以,儘管城市快速擴張,卻無法容下這些人潮,隨之而來的失業、貧困,加上女性嚴重不足,最後引發了娼妓和少女的人口販賣。在這種絕望的氛圍下,促成了探戈音樂的興起,卻也造就了皮耶佐拉(Astor Piazzolla, 1921-1992)傳奇的一生。

皮耶佐拉1921年出生於布宜諾艾利斯,4歲時全家移民紐約,在這個集結人文藝術於一身的城市,皮耶佐拉有機會接觸到古典、爵士與探戈等風格的音樂,同時學習班多紐手風琴。

皮耶佐拉15歲時返回阿根廷,並在當地的探戈樂隊中演奏。雖然熱愛探戈,但固有的社會印象認為,探戈是低下階層且不入流的音樂,因此皮耶佐拉曾一度放棄從小耳濡目染的探戈,進而轉向純正的古典音樂,並前往巴黎,與當時著名的法國女作曲家和音樂教育家布蘭潔 (Lili Boulanger, 1893-1918)學習作曲。

然而,聽完皮耶佐拉創作的探戈舞曲後,布蘭潔無法忽視他在這方面的才華,便熱切的鼓勵他繼續將探戈音樂發揚光大。從此,皮耶佐拉全心全意的在這塊領域中耕耘,最後成功的將舊有的探戈與古典爵士相結合,給予它煥然一新的面貌,使探戈脫離低下階層不入流的窠臼,進而登上國際舞台。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

伯恩斯坦 (Leonard Bernstein, 1918-1990)

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西元1918年8月25號,出生於美國的伯恩斯坦 (Leonard Bernstein, 1918-1990),從小即在音樂方面展現過人天賦。西元1935年,伯恩斯坦進入哈佛大學就讀,畢業後,又到費城寇蒂斯音樂學院,隨匈牙利指揮家萊納 (Fritz Reiner, 1888-1963)學習指揮。西元1941年起,伯恩斯坦擔任波士頓交響樂團助理指揮,並隨樂團指揮華爾特 (Bruno Walter, 1876-1962)學習。西元1943年,在一次偶然的機會下,伯恩斯坦代替生病的華爾特上台指揮,從此一夕成名。

在樂壇上嶄露頭角的伯恩斯坦,開始擔任紐約愛樂的客席指揮,之後更於西元1959年,升任為該樂團的音樂總監。在他擔任紐約愛樂音樂總監的11年間,開創了該樂團的黃金時代,並於西元1969年去職時,榮獲該樂團頒贈「桂冠指揮」的稱號。西元1958到1972年,伯恩斯坦與紐約愛樂拍攝了電視節目「青年音樂會」,教導年輕人如何聆聽音樂,此舉為古典音樂在年輕族群中的推廣興起了極大的作用。而除了紐約愛樂外,伯恩斯坦也與維也納愛樂保持良好的關係,維也納愛樂甚至曾頒給他「榮譽副同志」這項殊榮。

伯恩斯坦指揮的曲目範圍廣大,從巴洛克到現代各家都有涉獵,尤其是浪漫派的樂曲,其中又以馬勒 (Gustav Mahler, 1860-1911)的作品為最。然而,和馬勒一樣,在指揮之餘同時也從事樂曲創作的伯恩斯坦,一生共創造了《耶利米》、《焦慮的年代》與《猶太詩文》三部交響曲 (Symphony),以及《西城故事》、《憨第德》、《錦城春色》等多部音樂劇(Musicals),和一些歌劇 (Opera)歌曲等。西元1990年10月14號,伯恩斯坦因心臟病突發與世長辭,享年72歲。

 

※本文由古典音樂台撰寫編輯

曼紐因 (Yehudi Menuhin, 1916-1999)

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傳言,科學家愛因斯坦曾在一場演奏會中,聽完了台上小提琴手的演出後,激動地說:「現在,我總算相信有上帝的存在了」。這個讓愛因斯坦發出如此讚嘆的,並不是當時赫赫有名的大師,而是一個才十來歲的孩子,也就是日後的小提琴巨擘—曼紐因 (Yehudi Menuhin, 1916-1999)。

4歲學習小提琴,7歲時與舊金山交響樂團一同演出,13歲便錄下個人的第一張唱片,被稱為音樂神童的曼紐因,不到20歲已經名滿天下,也因此得以在小小年紀便擁有與許多大師合作的機會。二次大戰期間,曼紐因藉著手中的小提琴,鼓舞前線奮戰的士兵們,使他們心靈得到安慰;他積極奔走各地,陸續在醫院和軍隊中演出多達五百場以上,身為猶太裔的他,甚至在1945年納粹集中營解放後返回德國,為那些倖存者們演奏。音樂,在曼紐因眼中,早已跨越了種族與政治的藩籬。

晚年的曼紐因鮮少在公開場合演奏小提琴,而是轉往指揮及教育耕耘,他先後在英國倫敦與瑞士創辦了音樂學校,專門培育在音樂方面極具天份的孩子。這位從未上過正規學校的音樂奇才,透過教育、樂團、音樂節與競賽等方式,不遺餘力地栽培人才;他不僅為世人留下了輝煌動人的樂音,在人道關懷上,更展現出難能可貴的風範。


※本文由古典音樂台撰寫編輯

布瑞頓 (Benjamin Britten, 1913-1976)

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身兼作曲家、指揮家、鋼琴家以及樂評家多重身分的布瑞頓 (Benjamin Britten, 1913-1976)是英國20世紀十分傑出的當代音樂家。他的音樂作品具有濃厚且豐富的英格蘭特質,不僅創作形式多元,數量也十分豐富。他穩定了英國自二次世界大戰後的古典音樂市場,用通俗的方法向民眾介紹古典音樂。但他自己的作品卻擁有崇高的藝術價值,其中1945年所發表的歌劇 (Opera)《彼得葛萊姆》更把他在樂壇的聲望推向頂峰。

1913年出生的布瑞頓,在一個愛好音樂的小康之家裡成長。五歲便展露音樂才華的他在跟隨英國知名作曲家布里奇 (Frank Bridge, 1879-1941)學習之後,逐漸發展出細膩、嚴謹的個人風格,同時也在布理奇的栽培下理解身為一位藝術家應有的態度與風範。

或許正是因為布理奇的影響,讓布瑞頓與許多關在象牙塔裡的音樂家有所不同,他喜歡用音樂與人溝通,許多作品的發表皆是為各年齡層的業餘音樂愛好者而創作。如知名的《青少年管弦樂入門》以及《簡易交響曲》等皆是讓愛樂者進入古典之門的經典曲目。此外,布瑞頓在英國小鎮奧德堡所創辦的藝術節更以推動社區發展與創新藝術教育為號召,鼓勵青年創作者勇於發表作品,同時也提供展演空間藉以激盪出更多優秀的藝術人才。

而今,布瑞頓已是英國20世紀音樂家中聲望最崇高,同時也受到最多英國人愛戴的偉大人物。他留給後世的不僅是經典音樂,更有他崇高的人文精神以及對人類、對社會的無私關懷。


※本文由古典音樂台撰寫編輯

巴伯 (Samuel Barber, 1910-1981)

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巴伯 (Samuel Barber, 1910-1981)可說是廿世紀美國作曲家中作品最常被演出的一位。在911事件中,他的一曲《弦樂慢板》不知撫慰了多少受創的心靈,儼然成為當代葬禮音樂的典範。然而你可知道,當年的他曾不只一次高聲抗議他的這首作品並非為了葬禮而寫?這是巴伯意想不到的成功,但卻不是他所預期。

1910年出生在美國賓州的巴伯注定就是個天生的作曲家,十四歲便以天才兒童之姿進入寇蒂斯音樂院就讀。不到十年,巴伯的作品席捲全美各大作曲獎項,更在廿五歲那年贏得美國羅馬大獎,獲得前往羅馬進修兩年的機會。

在羅馬的這段日子,巴伯吸收了歐洲文化精髓、精進自身作曲技巧,同時也結識了當時名滿天下的大指揮家托斯卡尼尼 (Arturo Toscanini, 1867-1957)。三年後,托斯卡尼尼率領NBC交響樂團指揮了這首著名的《弦樂慢板》,這是托斯卡尼尼所指揮過的極少數美國樂曲之一,卻讓巴伯就此躍上國際舞台,成為美國當代最具影響力的作曲家之一。

此後,巴伯陸續發表了多部作品,但卻都不如這首《弦樂慢板》受歡迎,也難怪巴伯後來如此厭惡他的作品遭到濫用。然而身為一位美國本土作曲家,巴伯的作品的確表現了美國這文化大熔爐的精神與意象。他的音樂細膩而傳神,總讓聽者在不經意間留下最深刻的印象,作為廿世紀最偉大的美國作曲家,巴伯當之無愧。


※本文由古典音樂台撰寫編輯

大衛‧歐伊斯特拉夫 (David Oistrakh, 1908-1974)

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說起廿世紀最偉大的小提琴家,許多人也許會想到海飛茲 (Jascha Heifetz, 1901-1987)。但還有一人你絕對不可錯過,那就是大衛‧歐依斯特拉夫 (David Oistrakh, 1908-1974)!

歐依斯特拉赫於1908年出生在烏克蘭的海港城市奧德薩。從小他的音樂才華就備受重視。在當時最知名的小提琴教育家 史托利亞斯基 (P. Stoljarski,1871-1944)指導下,小歐依斯特拉赫在學生時期便得獎無數。更於29歲獲得易沙意小提琴大賽的首獎,為當時在鐵幕下的蘇聯爭取光榮。

對於歐依斯特拉赫而言,活在舞台上演奏音樂,是他最喜愛的生活,因此音樂會的邀約不斷,即使是二次大戰期間,歐依斯特拉赫也沒有停下演奏,繼續在前線、後方與醫院等地演奏,安慰在戰爭間受難的靈魂們。

大衛.歐依斯特拉夫一向被認為是最能代表蘇聯小提琴演奏藝術的小提琴家。他溫暖的音色及完美的技巧,常令台下聽眾如癡如醉。在歲月洗鍊下,歐依斯特拉赫總能有不同的體驗與成長,他的演奏風格也愈來愈顯得多采多姿,只不過我們看到的還是那一個歐依斯特拉赫-一個像鄰居一般親切的歐依斯特拉赫。對於周圍的人事物都能非常留意並且還會花時間去了解研究,正是歐依斯特拉赫一直都具有的特質。他一生的演奏事業代表的正是一部俄國二十世紀小提琴音樂的發展史。


※本文由古典音樂台撰寫編輯

梅湘 (Olivier Messiaen, 1908-1992)

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如果德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)打開了法國現代音樂的大門,那梅湘則是20世紀最具個人特色與影響力的法國作曲家。

梅湘西元1908年出生於法國南部亞維農,十歲的時候,他獲得一本德布西歌劇「佩利亞與梅莉桑」的總譜,裡頭前衛的和聲運用使他大開眼界,日後發展出極具個人色彩的音樂種子也在此時萌芽。

梅湘是位虔誠的天主教徒,1930年以優異的成績畢業於巴黎音樂院後,便在巴黎天主「聖三一」教堂擔任管風琴師長達四十多年。他的音樂風格相當複雜,除了宗教的影響,東方的印度音樂、南歐的希臘音樂,都是他的創作題材。

梅湘不只專精於音樂,對鳥兒也別有一番研究。他能分辨上千種鳥類的外型與聲音。1956到1958年間,梅湘陸續推出五冊名為「鳥類圖鑑」的鋼琴曲集,藉由敏銳的觀察力與音樂的直覺,將鳥兒的各種姿態與鳴叫聲記錄在他的作品當中。

二次大戰期間,梅湘曾被德軍俘虜。在集中營他結識了一位小提琴家、單簧管演奏者和大提琴手,並以現有的編制,完成了著名的「末日四重奏」,不僅是對聖經啟示錄的暗喻,同時也安撫飽受戰爭之苦的人們。

宗教、自然與人是梅湘創作的核心,而當他聽見和聲,便會不由自主的聯想到色彩,進而將這些豐富斑斕的色彩揮灑於旋律之中,在流動的時間畫布上,留下永恆的音樂佳作。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

卡拉揚 (Herbert von Karajan, 1908-1989)-上

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義大利指揮家薩巴塔 (Victor De Sabata,1892-1967),曾經在看了一位指揮新秀的演出後說:「我發現了一個具有震撼力的指揮,他的音樂思想必將影響到後半個世紀。」他口中的這位指揮新秀,就是在日後有著「指揮帝王」之稱的卡拉揚 (Herbert von Karajan, 1908-1989)

西元1908年4月5號,與莫札特 (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)同樣出生於奧地利薩爾茲堡的卡拉揚,自幼學習鋼琴,4歲開始登台演出,展現了在音樂上過人的天賦。西元1926年,卡拉揚前往維也納,隨霍夫曼 (E. T. A. Hoffmann, 1776-1822)學習鋼琴,在習琴三個月後,霍夫曼建議卡拉揚改學指揮,如此才能真正地表達出其內心對於音樂的詮釋與想法。

西元1928年,聽從霍夫曼建議的卡拉揚,在烏爾木市立歌劇院首次登台,隨後擔任該歌劇院的常任指揮;五年後,卡拉揚接任亞琛市立歌劇院首席指揮,隔年隨即被任命為音樂總監,以27歲的年紀,成為當時德國境內最年輕的音樂總監,其所展露出的非凡指揮才華,漸漸受到了樂壇的重視。

卡拉揚(下)

※本文由古典音樂台撰寫編輯

卡拉揚 (Herbert von Karajan, 1908-1989)-下

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西元1954年,指揮大師福特萬格勒 (Wilhelm Furtwängler, 1886-1954)去世後,卡拉揚 (Herbert von Karajan, 1908-1989)在歐洲的指揮事業迅速發展。這位極富盛譽的指揮家,宛如歐洲樂壇的霸主一般,囊括了數個音樂要職。除了西元1955年起接任柏林愛樂藝術總監及終身指揮外,還擔任了包括英國愛樂管弦樂團音樂總監、義大利史卡拉歌劇院德國歌劇部主任指揮、維也納樂友協會終身藝術總監、維也納國立歌劇院藝術總監,以及薩爾茲堡音樂節藝術總監。

除了擔任樂團及音樂節的指揮與音樂總監外,卡拉揚於西元1967年創辦了「薩爾茲堡復活節音樂會」,另外也創辦了兩年一次的「國際青年指揮家大賽」,並於西元1973年,又創立了「薩爾茲堡聖靈降臨節音樂會」,幾乎一手主導了歐洲樂壇的動向。

被譽為德奧作曲家音樂最佳詮釋者的卡拉揚,除了與樂團的合作外,也與EMI及DG等唱片公司合作,錄製了無數經典的錄音,留給後代豐富的音樂寶藏;尤其是貝多芬 (Ludwig van Beethoven, 1770-1827)九大交響曲 (Symphony)全集,時至今日,縱使市面上有著無以數計的貝多芬交響曲全集,但卡拉揚的這些錄音依然飽受讚賞。

西元1989年4月,卡拉揚辭去了柏林愛樂的所有職位,結束了彼此長達35年的合作關係。同年7月16號,卡拉揚於薩爾茲堡寓所中過世,享年81歲。


卡拉揚(上)

※本文由古典音樂台撰寫編輯

蕭士塔高維契 (Dmitri Shostakovich, 1906-1975)

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用音樂見證一個大時代,蕭士塔高維契 (Dmitri Shostakovich, 1906-1975)做到了。西元1906年9月25號誕生於聖彼得堡的蕭士塔高維契,母親是一位優秀的鋼琴家,音樂,遂成為他終其一生的追隨。蕭士塔高維契成名很早,在他還是個音樂院學生時,他所創作出的《第一號交響曲》,便為他打開了在國際樂壇間的知名度。

史特拉汶斯基 (Igor Stravinsky, 1882-1971)普羅高菲夫 (Sergei Prokofiev, 1891-1953)這些流亡海外的音樂家不同,蕭士塔高維契一生都在祖國度過,也因此,他的一生幾乎與俄國政治權利的更替及發展並行;經歷過兩次世界大戰,以及俄國十月革命、共產黨掌權,蕭士塔高維契的音樂創作夾存在動盪不安的時代中,始終擺脫不了政治的糾葛,同樣也造就他一生幾番浮沈,在榮耀與批鬥中大起大落。

威權統治下,蕭士塔高維契順應時勢地創作了歌頌史達林與共產主義的樂曲,其中著名的《第七號交響曲--列寧格勒》與《第十一號交響曲—1905》,就是分別紀念二次世界大戰的列寧格勒與推翻沙皇的俄國大革命。

蕭士塔高維契一生致力從事交響曲 (Symphony)協奏曲 (Concerto)、四重奏與歌曲的創作,而為了在險惡的政治環境中生存,他也譜寫一些舞台音樂與電影配樂。能在一言思想的俄國創作出多首偉大的音樂作品,並且在代表資本主義的西方大放異彩,蕭士塔高維契堪稱是二十世紀最具代表性的俄國作曲家。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

海飛茲 (Jascha Heifetz, 1901-1987)

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海飛茲 (Jascha Heifetz, 1901-1987)於1916年生於俄國,在86年的生涯當中,有83年都在演奏小提琴,甚至有六十多年站在舞台上發光發熱。

3歲的時候,海飛茲由父親啟蒙學習小提琴,6歲就已經有演奏孟德爾頌 (Felix Mendelssohn, 1809-1847)小提琴協奏曲的能力了,10歲時還舉行了第一場的公開音樂會,震驚了俄國樂壇。1917年,海飛茲第一次在紐約的卡內基音樂廳登台,這場音樂會吸引了當時全美國最有名的小提琴家一起來欣賞,16歲的海飛茲卻一點也不畏懼台下的眼光,把艱難的技巧玩弄在手掌之間,更讓台下的音樂家們驚呼連連。在往後的十年之內,除了克萊斯勒 (Fritz Kreisler, 1875-1962)還保住他的地位之外,其他的小提琴家無不臣服在海飛茲的技巧之下,而想要超越海飛茲,雖然也成為後輩音樂家的目標,但卻如緣木求魚一般的困難。

海飛茲和一般講求感性的音樂家不同,他以扎實的技巧,讓全世界為他的音樂表現而著迷,他追求客觀、無暇的觀念,也為詮釋音樂的態度立下了一個新的典範。他演奏的時候,總是把小提琴拉得高高的,眼睛盯著手指頭,身體筆直的站立,一動也不動,也從來沒有什麼誇張的表情,他的速度總是比一般還要快,而且,快得很多;如果碰上技巧本來就相當艱難的樂曲,那麼就令人更歎為觀止了。正如小提琴家帕爾曼 (Itzhak Perlman, 1945-)所說:「我把海飛茲當成現代的小提琴技術之父,不只演奏技術,還包括了現代大師應有的風範。」



※本文由古典音樂台撰寫編輯

柯普蘭 (Aaron Copland, 1900-1990)

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道地,才對味。半個世紀前的美國,就像個大熔爐一樣,接收了來自四面八方紛湧而至的移民人潮,這當中,也包含了音樂家們。有別於同時期的荀白克 (Arnold Schoenberg, 1874-1951)史特拉汶斯基 (Igor Stravinsky, 1882-1971)等人,西元1900年11月14號出生於紐約布魯克林區的柯普蘭 (Aaron Copland, 1900-1990),就是個道地美國土生土長的音樂家,他是第一個被美國樂界公認為最具本土風味的美國作曲家,同時也是美國新音樂的代言人。

紐約布魯克林區是個治安不甚好的地區,在這個城市裡長大的柯普蘭,到了十幾歲時才開始對音樂起了興趣,關於這點,他曾說過:「音樂作為一項藝術,完全是我自己發現的。」

20歲時,柯普蘭前往法國巴黎的楓丹白露留學,跟隨名師布蘭傑 (Nadia Boulanger, 1887-1979)學習現代音樂。從巴黎回到美國的初期,柯普蘭所創作的樂曲較具有爵士韻味,但自1936年起,他改變了音樂上的創作風格,開始譜寫較平易簡樸的曲子。他將美國的民間傳說故事廣泛運用在代表作《比利小子》、《牛仔競技會》及《阿帕拉契之春》當中,也因此,使得他的名字幾乎與美國音樂劃上等號。

柯普蘭晚年的作品,明顯受到荀白克十二音列技巧的影響。這是自二次世界大戰後,在音樂創作上一個顯著的新趨勢,1950年代之後,許多作曲家逐漸捨棄傳統的對調性,而偏好十二音列系統的使用,除了柯普蘭之外,史特拉汶斯基晚年也轉向使用這種技法。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

蓋西文 (George Gershwin, 1898-1937)

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近代第一位遊走於古典音樂與爵士樂之間的音樂大師蓋西文 (George Gershwin, 1898-1937),西元1898年9月26號出生於美國紐約布魯克林區。與其他著名的音樂家相比,蓋希文算是「大器晚成」,他正式學習鋼琴,已經是15歲以後的事了。中學畢業後的蓋希文無意繼續升學,隨即到一間名為「雷米克」的音樂出版公司工作,而其工作內容,主要是以彈奏鋼琴來推銷樂曲為主。

離開出版社工作後的蓋希文,決定到百老匯發展。他藉由在小型節目中擔任鋼琴伴奏的工作,很快的獲得了哈姆斯出版社經營者的青睞,並與其簽約。西元1919年,蓋希文以一首《史瓦尼》造成轟動,此後他的創作事業蒸蒸日上,陸續創作出許多著名的代表作,包含了《藍色狂想曲》、《一個美國人在巴黎》、《F大調鋼琴協奏曲》和歌劇 (Opera)《波奇與貝絲》……等。

蓋希文一生活躍於百老匯及好萊塢,他的創作同時汲取了黑人靈歌與爵士樂的節奏和配器手法,他所創作出的作品種類很多,包含了交響曲 (Symphony)協奏曲 (Concerto)、獨唱劇與歌劇……等,將歐洲傳統的古典樂與美國的爵士曲風巧妙地結合起來,並把爵士樂與百老匯的音樂語言帶進正規的音樂廳,開創出一種「交響爵士樂」的新典範。

西元1937年7月11號,年僅39歲的蓋希文不幸在腦瘤手術後與世長辭,結束其短促卻精彩的一生。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

米堯 (Darius Milhaud, 1892-1992)

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西元1892年,法國作曲家米堯 (Darius Milhaud, 1892-1992)出生於南法普羅旺斯省。以薰衣草聞名的普羅旺斯毗鄰地中海,與義大利接壤,一年四季陽光充足,景色氣候舒適怡人。這樣的環境也培養了米堯清新明亮的音樂特質。

米堯7歲開始學習小提琴,17歲進入巴黎音樂院主修作曲,從小即展現卓越的音樂才華。然而第一次世界大戰的爆發,改變了他人生的藍圖。

大戰期間,米堯在他的好友,法國駐巴西大使「克勞迪爾」的邀約下,前往巴西擔任他的私人秘書。在巴西生活兩年期間,米堯有機會接觸到南美洲的森巴和探戈音樂,他並將這些舞蹈節奏,融入到自己的創作中。最具代表性的,就是他的芭蕾舞劇「屋頂上的牛」。

大戰結束後,米堯返回法國,與普朗克 (Francis Poulenc, 1899-1963)、杜瑞 (Louis Durey, 1888-1979)等作曲家組成「法國六人組」。他的作品經常使用「複調」的作曲手法,讓音樂同時存在兩個以上的調性,試圖在不和諧的衝擊下,找到和諧的平衡點。

二戰期間,米堯則移居美國加州,在奧克蘭的邁爾斯音樂院任教。旅美7年,使他有充足的時間了解美國的爵士樂。他著名的芭蕾舞劇「創世紀」,便是融合爵士樂的最佳代表作。

儘管米堯是一位法國作曲家,但他並不在本土文化的藩籬中自我設限,他旅行各地,以達觀的態度與世界各國的文化結緣,是一位心胸開闊、氣度不凡的音樂家。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

普羅高菲夫 (Sergei Prokofiev, 1891-1953)

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十九世紀末,西方音樂世界一片繁榮景象,而與歐美大陸遙遙相望的俄羅斯,同樣也人才輩出。西元1891年4月23號,作品詭譎多變,被後世稱為「音樂變色龍」的普羅高菲夫 (Sergei Prokofiev, 1891-1953),誕生於烏克蘭的一個小村莊。普羅高菲夫從小就展現出過人的音樂天賦。五歲時,便已寫下生平第一首樂曲,到了九歲,更開始創作歌劇 (Opera)

西元1904年,普羅高菲夫進入聖彼得堡音樂院,跟隨包括林姆斯基-高沙可夫 (Nikolai Rimsky-Korsakov,1844-1908)、里亞道夫 (Anatol Lyadov, 1855-1914)、艾西波娃 (Anna Yesipova, 1851-1914)……等多位名師學習,他們雖然讚賞普羅高菲夫的不凡天資,但對他桀傲不訓的性格卻也感到相當頭疼。求學期間,普羅高菲夫曾挑戰傳統,破例以個人創作的《第一號鋼琴協奏曲》,參加學校舉辦的「魯賓斯坦鋼琴比賽」,引發當時校內老師們的激烈爭論,最終,普羅高菲夫以驚艷全場的演出獲得了首獎,更加展現他的優異資質。

畢業後不久,俄國爆發大革命,普羅高菲夫選擇到國外發展,然而,這趟歐美音樂之行整體而言並不算成功。西元1934年,普羅高菲夫決定返回祖國。返國後的普羅高菲夫曲風明顯改變,也開始嘗試創作新類型的音樂,包含電影配樂、戲劇配樂與合唱曲等。鐵幕下的普羅高菲夫雖然免不了遭受到政治的壓迫,但仍陸續大量創作,而其著名的《彼得與狼》、《羅密歐與朱麗葉》等樂曲,就是那個時期的作品。普羅高菲夫是二十世紀作曲家中最常被演奏的一位,他以異於世俗潮流的曲風,引領著三、四O年代的音樂風潮,並為西方音樂開闢出了一條現代主義之路。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

貝姆 (Karl Böhm, 1894-1981)

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被認為是德奧樂派管弦樂和歌劇 (Opera)最權威詮釋者的指揮大師貝姆(Karl Böhm, 1894-1981),西元1894年8月24號出生於奧地利的格拉茲一個熱愛音樂的家庭當中,貝姆的父親甚至是華格納主義的擁護者。雖然如此,父親並不十分同意讓音樂成為貝姆的終身職業,也因此,貝姆在學習音樂的同時,仍一邊攻讀法律。

貝姆的指揮生涯可說是平步青雲,從1921年在指揮家華爾特 (Bruno Walter, 1876-1962)的推薦下,就任慕尼黑國立歌劇院樂團指揮開始,他歷任了德勒斯登國家歌劇院、薩克森國家管弦樂團、維也納愛樂管弦樂團、維也納國立歌劇院……等樂團指揮,甚至在晚年還獲得了「奧地利音樂總指導」的最高稱號,隨後維也納愛樂更授予他「終身名譽指揮」的頭銜。

貝姆在德勒斯登任職時,結識了理查‧史特勞斯 (Richard Strauss, 1864-1949),兩人有著深厚的情誼,同樣也是莫札特 (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)音樂的愛好者,而與理查‧史特勞斯的相遇,更深深影響了貝姆的一生。貝姆的指揮風格端正典雅、自然不造作,被後人譽為「精準大師」,這與他一本正經的個性相當符合。他所指揮的作品中,包括莫札特、貝多芬 (Ludwig van Beethoven, 1770-1827)布魯克納 (Anton Bruckner, 1824-1896)華格納 (Wilhelm Richard Wagner, 1813-1883)、理查‧史特勞斯等,都是樂迷們難以抗拒的錄音。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

魏拉-羅伯斯 (Heitor Villa-Lobos, 1887-1959)

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魏拉-羅伯斯(Heitor Villa-Lobos, 1887-1959)是20世紀最負盛名的巴西作曲家,1887年生於里約熱內盧,他的父親是位博學多聞的圖書館管理員,也是位音樂愛好者,從小魏拉-羅伯斯就在父親的教導下學習大提琴。

1889年魏拉-羅伯斯的父親生病過世,家裡的經濟住狀況陷入困境,不到20歲的魏拉-羅伯斯只好帶著大提琴加入街頭樂團,在酒館與咖啡廳演奏巴西民謠和流行音樂維持生計,不過這也開啟了他對於巴西音樂的興趣。

1905年,魏拉-羅伯斯開始周游巴西,他深入鄉村、農場,採集各地的民間音樂和傳說,並將這些本土文化融入到他的創作中,探索屬於自己的藝術風格。

1923年巴西政府委派魏拉-羅伯斯作為音樂大使到巴黎推廣南美洲音樂,因此他有機會接觸到像拉威爾 (Maurice Ravel, 1875-1937)柯普蘭 (Aaron Copland, 1900-1990)史特拉汶斯基 (Igor Stravinsky, 1882-1971)等樂壇風雲人物,除了與這些音樂家建立深厚的友誼,同時也開拓了他的音樂視野。魏拉-羅伯斯最知名的代表作,即是1930年以巴哈的風格融合巴西的民族音樂譜寫而成的《巴西風的巴哈》。

雖然旅歐多年並享譽國際,魏拉-羅伯斯卻不忘本,他晚年致力於巴西音樂教育的改革,1942年創立國立合唱音樂學院,1945年成立巴西音樂學會,他將自己的理念傳承給下一代,大幅提升了巴西的音樂水準,是20世紀最重要的巴西作曲家和音樂教育家。



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貝爾格 (Alban Berg, 1885-1935)

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荀白克 (Arnold Schoenberg, 1874-1951)、魏本 (Anton Webern, 1883-1945)並列為第二維也納樂派代表性音樂家的阿班‧貝爾格 (Alban Berg, 1885-1935)可說是三人中音樂風格最為精緻洗練的作曲家。雖然從小便展露過人的音樂天份,但直到十九歲那年受教於荀貝格後,才真正確立了自身志向,往作曲家道路邁進。

早期的貝爾格作品風格帶有華格納 (Wilhelm Richard Wagner, 1813-1883)馬勒 (Gustav Mahler, 1860-1911)等人的旋律和聲色彩,然而在荀白克發表了十二音列創作理論後,貝爾格與魏本不約而同都放棄了以往調性音樂的創作手法,轉而研究並開創十二音列創作技法的各種可行性。

1922年,37歲的貝爾格發表了生平最重要、同時也是新維也納樂派最具代表性的作品-歌劇 (Opera)《伍采克》。這部創作期長達五年的作品,不僅完全證明了用非調性音樂也能寫成歌劇,更突顯了非調性音樂所表現的戲劇張力完全不遜於調性音樂的鋪陳。儘管音響效果的展現及其複雜、劇情也陰沈灰暗,但由十二音列技法所營造的音樂氣氛卻深深感染了觀眾,讓所有觀賞過這部作品的樂迷們無不為貝爾格高超、天才的創作手法所折服。

事實上,貝爾格的音樂表現相較荀白克與魏本來說是溫和豐富的,即使採用的是經過嚴密計算、盡可能排除一切傳統和聲導向的十二音列理論,我們仍可在他的音樂中捕捉到些許調性音樂的色彩變化。也因此,貝爾格的音樂在新維也納樂派三人中總較容易被樂迷所接受,除歌劇外的許多作品如《抒情組曲》、《小提琴協奏曲》等至今仍常在世界各地上演。

1935年,貝爾格留下了尚未完成的歌劇《露露》離開人世。雖然廿世紀新音樂的發展至今仍曲高和寡,但貝爾格與新維也納樂派為開創音樂新格局,披荊斬棘、勇往直前的精神卻永遠為世人所感佩。


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史特拉汶斯基 (Igor Stravinsky, 1882-1971)

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音樂創作大膽創新、風格多變的史特拉汶斯基 (Igor Stravinsky, 1882-1971),西元1882年6月17號出生於藝術氣息濃厚的俄國家庭,父親是著名的聲樂家。他自九歲起學習鋼琴與樂理,後來甚至成為林姆斯基-高沙可夫 (Nikolai Rimsky-Korsakov,1844-1908)的學生。1910年,史特拉汶斯基創作的芭蕾舞劇(Ballet)《火鳥》一舉成名,掀開了其舞劇創作的序曲 (Overture),隨後完成的《春之祭》,更為他奠定個人的名聲。

史特拉汶斯基一生共經歷兩次流亡,第一次世界大戰時,他離開祖國蘇俄,舉家遷往瑞士,隨後移居巴黎發展,又在第二次世界大戰時再次展開流亡之旅,來到美國,最後定居於此。

史特拉汶斯基離開了祖國,進入西方國家,為他打開了嶄新的視野,同時對於他的創作更提供了豐沛的資源。他在來到歐美國家後,開始與各國不同領域的藝術家建立起深厚的友誼並且開始合作,與這些人的交流,更激盪出史特拉汶斯基獨具特色的作品。

史特拉汶斯基十分喜愛古典芭蕾,在他六十年的創作生涯中,芭蕾舞曲始終佔有舉足輕重的地位。他與當時世界上舉足輕重的現代芭蕾舞團經紀人戴雅吉列夫 (Серге́й Па́влович Дя́гилев)合作,引領俄國芭蕾走向嶄新的境界,成為自柴可夫斯基 (Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893)後,另一位對俄國芭蕾有極大貢獻的作曲家。

在音樂創作上,史特拉汶斯基無疑是一位前衛的人物,他怪異多變的創作手法,締造了現代音樂的新傳統,影響著同時代甚至後代音樂家們,堪稱是20世紀偉大的音樂巨擘之一。



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巴爾托克 (Béla Bartók, 1881-1945)

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很少有音樂家像巴爾托克 (Béla Bartók, 1881-1945)這樣,一生都如此艱苦的活著。

經歷兩次世界大戰,故國分崩離析,巴爾托克用生命記錄屬於他民族的音樂語言,焚膏繼晷,不眠不休。

十九世紀的匈牙利在政治上,其實是奧匈帝國的附庸;而在音樂與文化上,也都以德奧系統為主流。當年,獲得維也納音樂院獎學金的巴爾托克毅然決然放棄資格轉而投向布達佩斯音樂院的懷抱,雖遭受眾人的不諒解,卻也是他邁向與眾不同的開始。

1905年,廿四歲的巴爾托克與高大宜 (Zoltan Kodaly, 1882-1967)兩人展開了艱苦且漫長的民謠採集工作,在這段歷程中,巴爾托克體認到簡單質樸的民謠才是讓音樂深入民心的關鍵。他拒絕了矯飾做作的浪漫主義,意圖用民間音樂,簡潔的表現文化之根。然而這樣的創作理念卻被當時的歐洲樂壇所輕忽,大家嘲笑巴爾托克黔驢技窮,曲高和寡。但他不氣餒,一首一首的發表各式各樣的民間音樂小品,終於在一次世界大戰之後,才獲得遲來的重視與掌聲。

然而兩次大戰帶給歐洲人民的摧殘與傷害,同樣也在巴爾托克身上發生。1939年,長期給予巴爾托克精神支持的母親不幸病逝,此時健康早已出現警訊的巴爾托克面對越趨緊張的情勢,不再對祖國留戀,帶著妻子移民美國。然而水土不服與經濟壓力卻讓巴爾托克罹患了絕症,1945年九月,距離戰爭結束不到一個月,巴爾托克告別人世。

他的成就不僅僅只是發揚了匈牙利國民樂派,更重要的是,他的音樂語言象徵著一位孤獨的行者,在理想構成的荒漠世界裡,艱苦卓絕地向真理邁進。


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法雅 (Manuel de Falla, 1876-1946)

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法雅 (Manuel de Falla, 1876-1946),是19世紀末西班牙音樂三傑之一,與前兩位音樂家阿爾班尼士 (Isaac Albeniz, 1860-1909)以及葛拉納多斯 (Enrique Granados, 1867-1916)將西班牙音樂的復興著力於鋼琴音樂上有所不同,法雅開創了西班牙音樂全新的格局。他用道地的西班牙民族音樂作為素材,創作了各式編制不同的作品,不僅擺脫了西班牙人只會演奏鋼琴或吉他的刻板印象,更用豐富的音響、鮮明的節奏活化了西班牙音樂,讓西班亞這個長年以來的歐洲文化邊陲從此成為20世紀新興音樂潮流的中心。

法雅的一生與西班牙的苦難交織在一起,歷經兩次世界大戰以及西班牙內戰的他,在動亂中完成了包括歌劇 (Opera)、芭蕾舞劇(Ballet)、藝術歌曲 (Art Song)等近百首作品,每首作品都富有獨特的個性,每一首作品也都是不可多得的經典佳作。

其中最著名的《西班牙花園之夜》雖然融合了德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)拉威爾 (Maurice Ravel, 1875-1937)玄妙精湛的管弦樂技法,然而法雅卻在鋼琴主奏的部份展現了旺盛的企圖心,他把鋼琴當做吉他,保留了西班牙音樂的尊嚴;用艱深的技巧凌駕樂團,同時也讓這首樂曲成為世人心目中最具份量的西班牙音樂經典。

從西方音樂史的角度來看,法雅生長的時代已是19世紀末國民樂派發展的尾聲了,但他用獨特的創意與宏觀的視野將西班牙音樂從地方性的民謠小曲推展至20世紀新古典主義的尖端,如此大器與遠見實在令人欽佩。

現代西班牙音樂之父,法雅當之無愧!


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拉威爾 (Maurice Ravel, 1875-1937)

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1875年3月7號,音樂家拉威爾 (Maurice Ravel, 1875-1937) 出生於法國西南部的西布爾。年輕時的拉威爾,深受音樂家夏布里耶 (Emmanuel Chabrier, 1841-1894)佛瑞 (Gabriel Fauré, 1845-1924)的影響,創作了一首《死公主的孔雀舞曲》,使得他一時聲名大噪。隨後,拉威爾在26歲時挑戰創始於1803年的「羅馬大獎」比賽,卻接連四度都未能成功。1905年,拉威爾第五度挑戰「羅馬大獎」,卻遭評審委員會以年齡超過參賽資格被拒,一時造成輿論譁然,甚至連大文豪羅曼·羅蘭 (Romain Rolland, 1866-1944)也撰文抗議,此一事件,在當時被稱為「拉威爾事件」。

1914年,德法宣戰,身形瘦弱的拉威爾未被徵召入伍,最後在他的極力爭取下,以駕駛醫護車的司機身份出征前線戰場。戰爭結束後,拉威爾為了對戰死沙場的祖國戰士表達敬意,寫下了《庫普蘭之墓》。1927年之後,拉威爾展開了一連串的旅行,回國後創作了《波麗露》,此曲深受大眾喜愛,也因此使得拉威爾的名聲日甚一日。

德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)晚13年出生的拉威爾,在德布西的盛名之下,作品經常被人誤會是抄襲德布西。然而,雖然拉威爾與德布西並稱為印象樂派的大師,但拉威爾所追求的效果更加精準犀利,也因此俄國音樂家史特拉汶斯基 (Igor Stravinsky, 1882-1971)稱他為「最精確的瑞士鐘錶匠」。

晚年的拉威爾,由於深受腦疾所苦,加上一次嚴重的車禍意外,使得他無法繼續作曲。1937年12月28號,拉威爾在接受一次失敗的腦部手術後逝世,享年62歲。



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霍爾斯特 (Gustav Holst, 1874-1934)

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《行星組曲》可說是古典音樂史上少數從星象學角度出發,為太陽系行星譜曲的管弦樂組曲。這組作品當年在發表時廣受歡迎,直到現在仍是許多音樂會上的常演曲目。然而對於寫下《行星組曲》的英國作曲家霍爾斯特 (Gustav Holst, 1874-1934),你了解多少呢?

霍爾斯特雖然自小即展露音樂天份,但父親卻希望他能走上職業演奏家之途,並不希望他往作曲界發展。直到後來,霍爾斯特的右手因練琴受傷而產生永久性傷害,父親才應允了他的請求。早年霍爾斯特苦心研究白遼士 (Hector Berlioz, 1803-1869)所寫的管弦樂法理論,因此在作品中常出現華麗精彩的管弦樂音響效果。

後來,他接觸了來自印度的文學與哲學,對這遙遠的東方國度懷有濃厚的興趣。因此他不但為此學習梵文,甚至還親自翻譯了許多印度詩歌,並將這些研究心得與影響融入了他的作品中,產生極為特殊的異國風情。

霍爾斯特的代表作《行星組曲》是創作於40歲時的作品,當時的他沈迷於占星學,因此特地寫了七首樂曲用以代表當時太陽系已發現的七大行星。霍爾斯特為這些曲子都設計了一個副標,例如火星是戰爭之神、木星是快樂之神等。當年霍爾斯特曾為這部作品衍伸有趣的定義,希望聽者能從聆聽的感受出發,去體會霍爾斯特筆下的這些行星。果然在這首組曲 (Suite)首演後取得了巨大的勝利,不僅為霍爾斯特帶來了財富,更讓他一躍成為20世紀英國著名作曲家之列。

時至今日,《行星組曲》已是古典音樂領域裡最「流行」的曲目,而霍爾斯特驚人的想像力更將永遠留在愛樂者的腦海裡,與在太空中運行的行星產生奇妙的連結。


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荀白克 (Arnold Schoenberg, 1874-1951)

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20世紀之前的音樂作品,基本上都維持在調性和聲的體系當中,先有莫札特 (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)貝多芬 (Ludwig van Beethoven, 1770-1827)的嫻熟運用,後有蕭邦 (Frederic Chopin, 1810-1849)華格納 (Wilhelm Richard Wagner, 1813-1883)的擴張延伸,都證明了這套理論的優越性。然而從20世紀開始,新一代音樂家試圖掙脫傳統的窠臼,探索新的音樂語彙。其中,當奧地利作曲家荀白克 (Arnold Schoenberg, 1874-1951)的「十二音列」理論初試啼聲,立刻教學術界一片譁然。

荀白克1874年出生於維也納,他從未進過正式的音樂院,是一個自學有成的音樂家。1904年,他和一群年輕作曲家組成「創樂協會」,致力於推廣無調性音樂,也在此時揭露了他叛逆的性格。

不過歷經一連串實驗後,荀白克認為,無調性音樂缺少一套思路清晰的理論,學術根基不足可能使其迷失在新潮流的茫茫大海中。因此,荀白克開始從學理的角度出發,一磚一瓦地建構十二音列理論。

十二音列的基本定義,是摒棄任何與調性和聲之間的關聯,以達到無調性的音樂理想。因此,它平等地對待所有音符,也沒有和諧與不和諧的區分。1920到1923年間,荀白克即以十二音列理論,譜寫出「七重奏小夜曲」、「五首鋼琴曲」以及「鋼琴組曲」這三首作品。

當二戰期間的音樂家正為新與舊、現代與傳統的衝擊躊躇不前,荀白克提出規範明確的十二音列理論,為20世紀初期的音樂創作打了一劑強心針,引發劇烈革命的無調性音樂儼然成為新世代的時尚主流。

 

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拉赫曼尼諾夫 (Sergei Rachmaninov, 1873-1943)

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西元1873年4月1號誕生於俄羅斯的拉赫曼尼諾夫 (Sergei Rachmaninov, 1873-1943),由於父親的揮霍無度,幼年時期便在拮据與不穩定的家庭中成長,塑造了他日後敏感、憂鬱的性格。西元1882年,拉赫曼尼諾夫取得了獎學金,進入聖彼得堡音樂學院,三年後,轉往莫斯科與尼古拉·茲韋列夫 (Nikolai Zverev, 1832-1893)學習,接受嚴格的鋼琴訓練。

嚴謹的訓練,使得拉赫曼尼諾夫不久便展露出在音樂方面的天份。19歲時,拉赫曼尼諾夫編寫了著名的《升c小調鋼琴前奏曲》,這首樂曲成為他最著名的作品之一。西元1897年,拉赫曼尼諾夫創作的《第一號交響曲》舉行首演,卻在排練不充分的情況下招來猛烈的批評,使得他深受打擊,也因此無法繼續集中精神作曲,因而停產了數年,直到接受了心理治療師尼可拉‧達爾的醫治,才重拾信心。西元1901年,拉赫曼尼諾夫完成了他的《第二號鋼琴協奏曲》,並把此曲獻給達爾,更親自在首演中擔任鋼琴獨奏,而這次的演出,受到了熱烈的迴響。

拉赫曼尼諾夫除了是傑出的鋼琴家與作曲家之外,也是優秀的指揮家。他曾擔任莫斯科皇家歌劇院指揮,以及莫斯科愛樂管弦樂團的指揮,成為當地樂界舉足輕重的人物。西元1909年,拉赫曼尼諾夫第一次前往美國表演,編寫了困難度極高的《第三號鋼琴協奏曲》,令他在美國大受歡迎。隨後,由於俄國局勢動盪不安,拉赫曼尼諾夫於是在西元1918年移居美國。直到西元1943年3月28號因癌症病逝,拉赫曼尼諾夫都無法再踏進祖國的土地。



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史克里亞賓 (Alexander Scriabin,1872-1915)

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十九世紀末至二十世紀初,許多作曲家開始嘗試突破傳統和聲的束縛,創造出更為自由的表現效果,這當中包括了將五聲音階及全音音階運用於作品中的德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)、提出十二音列理論的荀白克 (Arnold Schoenberg, 1874-1951),以及自創神秘和弦的史克里亞賓 (Alexander Scriabin,1872-1915)……等。

拉赫曼尼諾夫 (Sergei Rachmaninov, 1873-1943)一同畢業於莫斯科音樂院的史克里亞賓,最初是以鋼琴家的身份活躍於樂壇。在他早期的創作中,延續著浪漫樂派的傳統,表現手法深受蕭邦 (Frederic Chopin, 1810-1849)等人的影響。然而,史克里亞賓的作品風格在他移居國外後,開始產生了劇烈的變化;受到神秘主義哲學思維的影響,史克里亞賓開始大膽地嘗試新式的和聲,在音樂上做出實驗性的改革。神秘的宗教和宇宙觀,是構成史克里亞賓後來作品的重要元素,他將傳統的三度音程和弦的架構,改以不和諧的四度音程和弦,發展出獨樹一幟的「神秘和弦」,使得作品更為抽象、奇特,擺脫了傳統調性的枷鎖。

對史克里亞賓而言,聲、光、音、色是一體的藝術,他試圖將這些元素融入表演當中,甚至嘗試將燈光與音樂結合,呈現出同時具備視覺與聽覺的多重感官體驗,可說是最早具有「多媒體聲光藝術」思維的音樂家之一。史克里亞賓的作品充滿虛幻、超脫現實的神秘色彩,這也使得他有別於同一時期以德布西為代表的印象主義和以荀白克為代表的表現主義,樹立起在樂壇上無可取代的地位。


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葛拉納多斯 (Enrique Granados, 1867-1916)

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被譽為西班牙音樂三傑之一的葛拉納多斯 (Enrique Granados, 1867-1916)自小便展露音樂才華,在16歲那年獲得巴塞隆納音樂院的鋼琴大賽首獎後,便前往巴黎學習音樂並潛心於作曲。隨後就以鋼琴家身份於歐陸樂壇出道,並在25歲發表了著名的西班牙鋼琴經典-《12首西班牙舞曲集》。這部作品的發表不僅奠定了葛拉納多斯國民樂派作曲家的地位,同時也讓西班牙本土音樂獲得樂壇矚目,成為浪漫樂派後期最常被採用的創作素材。

葛拉納多斯的音樂風格近似鋼琴詩人蕭邦 (Frederic Chopin, 1810-1849)、浪漫而富有詩意,在他的音樂中可察覺西班牙人民獨有的熱情奔放與憂鬱浪漫。有別於另一位西班牙作曲家阿爾班尼士 (Isaac Albeniz, 1860-1909)慣於採用南方的民俗音樂,葛拉納多斯的創作素材則多以西班牙北部的民謠為基礎,開創出自己的風格。

除了《12首西班牙舞曲集》之外,葛拉納多斯最重要的鋼琴音樂作品當屬《哥雅畫集》了。這組由六首樂曲組合而成的著名難曲其靈感來自於西班牙畫家哥雅的作品,葛拉納多斯在樂曲中巧妙運用鋼琴演奏技巧模擬西班牙吉他演奏的音響效果和節奏,富有創意的樂思與縝密的聲部設計讓世人再次見識到了西班牙音樂無窮的魅力與可塑性,同時也是藝術史上少有的繪畫與音樂的完美結合。

葛拉納多斯除了是位優秀的作曲家之外,更是一位熱情奉獻於教育的鋼琴教育家。由他所創辦的葛拉納多斯音樂院不僅孕育了無數鋼琴家,更開創了西班牙鋼琴學派,使其成為詮釋西班牙鋼琴音樂的唯一權威。他為西班牙音樂所做的推廣與貢獻,讓後人永遠銘記,成為西班牙音樂史上閃亮的恆星。


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薩替 (Erik Satie, 1866-1925)

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若要細數音樂史上的怪咖,薩替 (Erik Satie, 1866-1925)肯定榜上有名。他堅稱自己是鋼琴家而非作曲家,但身邊的朋友卻從未見過他彈琴;他創作了一首由180個音符組成的曲子,卻要求鋼琴家必須重複連續彈奏840次,算算,得花上18個小時才能演奏完畢;他為自己的作品取名為《乾涸的胚胎》、《給一條狗軟弱無力的前奏曲》,甚至在提供的彈奏指示上標記「觸鍵要像一顆蛋一樣輕」、「要彈得有如一隻牙痛的夜鷹」。

跟同期的德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)拉威爾 (Maurice Ravel, 1875-1937)相較,薩替的名氣確實不大,不過他的《吉諾佩第》,你一定聽過。特立獨行的薩替,創作最大的特色在於大多數的作品是以三首曲子為一組,象徵由三種不同的角度去呈現音樂,而這種概念恰巧與立體派畫家的想法不謀而合。除此之外,他還主張音樂應該像家具一樣存在於生活之中,不需刻意安排或正襟危坐地聆聽。他的生活方式與創作理念,深受包含普朗克 (Francis Poulenc, 1899-1963)、米堯 (Darius Milhaud, 1892-1992)等在內的「法國六人組」的推崇,甚至影響許多後輩音樂家至今。

獨樹一格,更加令人耳目一新。滿腦子奇思異想的薩替,雖說與當時流行的音樂基調不同,但其簡約洗練的創作風格,卻無法輕易被定位與忽視。世代更迭,只要能引領風騷,主流與非主流,又是誰說了算呢?


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布梭尼 (Ferruccio Busoni, 1866-1924)

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1866年出生於義大利的布梭尼 (Ferruccio Busoni, 1866-1924),自小就在充滿音樂的環境中成長。由於雙親都是職業音樂家,因此小小年紀的布梭尼在八歲時便公開登台演出,音樂造詣更在九歲那年進入維也納音樂院後突飛猛進,成為十九世紀末歐洲最受矚目的青年鋼琴家。

成名後的布梭尼遊走於歐陸各城市巡迴演出,不僅與當時歐洲許多知名音樂家結識,在22歲那年更成為了赫爾辛基音樂院的鋼琴教授,並與西貝流士 (Jean Sibelius, 1865-1957)成為莫逆之交。直到一次世界大戰爆發,布梭尼避居瑞士,在此時他逐漸將事業重心從演奏轉型為作曲。

布梭尼的作品呈現出新古典主義的風格,在他的音樂中雖然跨越了傳統和聲與節奏的規範,但卻依然能察覺其嚴謹的形式結構與理性的音樂風格。在他的作品中,最受歡迎的便是一系列巴哈 (Johann Sebastian Bach, 1685-1750)鍵盤作品的改編曲集,這些作品每一首都展現出布梭尼精湛的作曲技法與豐富的想像力,不僅對世人提供了看待這些老作品的新觀點,更讓布梭尼在歐洲樂壇的地位水漲船高。

除了音樂作品外,布梭尼在1907年所發表的《新音樂美學隨筆》被音樂學者們喻為是啟發並影響20世紀新音樂時代來臨的敲門磚,在書中布梭尼所倡議的許多新穎觀點都被後輩作曲家如魏本 (Anton Webern, 1883-1945)、巴爾托克 (Béla Bartók, 1881-1945)梅湘 (Olivier Messiaen, 1908-19592)等人所採用。雖然在布梭尼自己的作品中並不如他的著作那般前衛、創新,但他崇古越今的精神卻為後人所景仰,成為20世紀初期少數幾位能在鋼琴演奏與作曲創見上皆擁有崇高聲望的偉大音樂家。


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西貝流士 (Jean Sibelius, 1865-1957)

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長期被壓抑的靈魂,究竟該在哪裡找到出口?

西元1865年12月8號出生於芬蘭首都赫爾辛基的西貝流士 (Jean Sibelius, 1865-1957),以一曲《芬蘭頌》,成功地喚起了芬蘭人民心底的共鳴,讓飽受俄國殘暴統治的芬蘭同胞們心中所堆積的滿腔仇恨,藉由樂音,終於得以釋放。

西貝流士出生之時,適逢歐洲民族主義抬頭,當時的芬蘭也籠罩在民族意識覺醒的氛圍之中。別人用槍和大砲革命,熱愛祖國的西貝流士則用筆和五線譜,開啟了芬蘭民族主義運動;一場非武力革命,就此沸騰展開。民族獨立的種籽,經由西貝流士筆下一首首動人樂曲,在芬蘭的天空飄散開來,激起了人民的愛國熱忱與反抗決心。

西貝流士一生橫跨了浪漫、國民及現代樂派,但他的創作生涯卻僅僅佔據人生的3/1。1926年,西貝流士完成交響詩 (Symphonic Poem)《塔比奧拉》後,毅然決然停止創作,往後三十年當中,再無任何作品問世。歷史也許隨時間被淡忘,但音樂卻穿越時空,締造出永恆不朽的價值。被視為芬蘭國寶的西貝流士,備受政府與人民的禮遇,在他50歲生日那天,芬蘭政府甚至宣告全國放假慶祝,並將他的生日訂為國定假日,綜觀古今中外音樂大師,能享有如此殊榮的,大概也只有西貝流士吧!



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葛拉茲諾夫 (Alexander Glazunov, 1865-1936)

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19世紀中期,俄國掀起一股民族主義的旋風,許多作曲家致力於推廣本土音樂,最具代表性的就是以巴拉基列夫(M. Barakelev, 1837-1910)為首的「俄國五人組」,他們將俄羅斯的民謠、舞蹈以及民間故事當成音樂創作的題材。而當這股民族主義的浪潮引領風騷之際,卻有一位作曲家揀盡寒枝不肯棲,依然遵循德奧樂派的傳統,他就是葛拉茲諾夫 (Alexander Glazunov, 1865-1936)。

葛拉茲諾夫1865年出生於俄國聖彼得堡的一個富裕家庭,曾與林姆斯基-高沙可夫 (Nikolai Rimsky-Korsakov,1844-1908)學習作曲。他成名甚早,三十多歲便以作曲家與指揮家的身分名聞遐邇。他音樂生涯最耀眼的光芒,不外乎就是延續西歐風格創作的多首交響曲與器樂協奏曲。

然而人生總有風暴無法預期。1917年俄國接連爆發二月與十月革命,共產黨統治的陰影逐漸蔓延。當時的執政者認為音樂是政治宣傳的工具,葛拉茲諾夫的作品經常被批評太過保守、漠視本土文化,這使他整日抑鬱寡歡,加上疾病纏身,最後促使他於1928年離開俄羅斯,1936年病逝於巴黎。

不過塞翁失馬,焉知非福。葛拉茲諾夫在海外結識了德國薩克斯風演奏家拉歇爾(S. Rascher, 1907-2001),並在他的委託下於1934年完成了晚年的經典之作「降E大調薩克斯風協奏曲」。葛拉茲諾夫的音樂穩重如山,旋律線條豐富悅耳,並有清楚的起承轉合,在俄國音樂史上扮演承先啟後的角色,成為浪漫樂派後期最燦爛的晚霞。



※本文由古典音樂台撰寫編輯

尼爾森 (Carl Nielsen, 1865-1931)

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興起於十九世紀後期的國民樂派,成就了許多偉大的音樂家。例如挪威的葛利格 (Edvard Grieg, 1843-1907)、芬蘭的西貝流士 (Jean Sibelius, 1865-1957)與捷克的史麥塔納 (Bedrich Smetana,1824-1884)。然而有位音樂家或許你對他感到陌生,但他的作品所散發出的影響力卻深深啟發了許多北歐音樂家。他,就是來自丹麥的尼爾森 (Carl Nielsen, 1865-1931)。

尼爾森的家境並不富裕,但卻在父親的啟蒙下學習了小提琴並對音樂產生濃厚興趣。19歲那年,尼爾森進入了丹麥皇家音樂院深造,這段期間他不僅累積了龐大的音樂知識,更對哲學與藝術產生濃厚興趣。尼爾森的高度熱誠與求知慾讓他在短時間裡突飛猛進,在畢業後很快的就在歐洲樂壇闖出名號,所寫下的交響曲 (Symphony)更享有崇高的評價。因此,尼爾森不僅在36歲那年便以作曲家身份獲得國家長期資助,更在不久後接任丹麥皇家歌劇院的院長,名聲享譽全歐。

尼爾森的作品類型相當廣泛,除了被譽為傳世經典的六首交響曲外,對於室內樂 (Chamber music)、協奏曲 (Concerto)藝術歌曲 (Art Song)等曲種均有涉獵。而他為舞台劇《阿拉丁》所寫下的配樂更是音樂會裡時常上演的精彩曲目。由於對文藝復興時期音樂的濃厚興趣,因此在他的音樂裡,常呈現出一種獨特的複音風格。這樣的風格在尼爾森優異的配器技法與音響效果中達到了一種極為特殊的聆聽感受,讓人著迷不已。

在尼爾森的六首交響曲中,以第四號交響曲最為知名。這首創作於一次世界大戰時的交響曲充滿著強烈的戲劇張力,而作曲家寫在樂譜封面的名言-「音樂如同生命,永不消逝!」,更代表著尼爾森對生命與音樂的熱情。如果我們要問,藝術、音樂與生命的關係,那麼尼爾森的這首交響曲,或許就是最好的答案!


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理查‧史特勞斯 (Richard Strauss, 1864-1949)

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被喻為德奧浪漫樂派最後傳人的理查‧史特勞斯 (Richard Strauss, 1864-1949),1864年出生於德國慕尼黑。自幼便聰穎過人的他在身為法國號樂手的父親細心栽培下,穩定且紮實的往音樂之路上邁進。

只不過當年身為布拉姆斯 (Johannes Brahms, 1833-1897)忠實支持者的父親怎麼也沒料到兒子在後來竟成為了華格納 (Wilhelm Richard Wagner, 1813-1883)的信徒。從18歲那年發表的第一首交響詩 (Symphonic Poem)《唐璜》開始,理查‧史特勞斯逐漸展露出對於華格納音樂語法的偏好與喜愛。在他筆下的每一首交響詩都猶如華格納管弦樂法的延伸,不僅設計出各種奇幻的配器手法用音樂來說故事,從阿爾卑斯山的遊記文藝復興時期的文學名著,從半自傳式的回憶錄寫到內省與批判的哲學經典,讓每首交響詩都成為豐富的人生百科。

除了交響詩外,歌劇 (Opera)也是理查‧史特勞斯施展音樂魔法的一大領域。一生發表過15部歌劇的理查‧史特勞斯,從早期歌劇的代表作《莎樂美》與《艾蕾克特拉》中便可看出他試圖顛覆德奧浪漫歌劇傳統的野心與企圖,屢屢預示出20世紀新音樂即將來臨的洞見,十足展現一代音樂巨擘應有的格局與視野。

時至今日,他的《莎樂美》仍在世界各地不斷上演,而優美動人的《最後四首歌》更是所有的聲樂家們亟欲在舞台上挑戰的經典。身為浪漫樂派德奧音樂的最後一位旗手以及新音樂的推手,理查‧史特勞斯為20世紀古典音樂的演進與發展留下了深刻的足跡。


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德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)

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當十九世紀中葉,歐洲藝術興起「印象派」畫風之際,音樂家德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)也受到此一風潮的影響與啟發,開創了音樂上的「印象派」。

西元1862年8月22號出生於巴黎近郊的德布西,雖然從小就顯露其音樂天份,但並未引起家人的注意。直到西元1871年,德布西認識了曾經是蕭邦 (Frederic Chopin, 1810-1849)學生的莫泰夫人,不僅教導他彈琴,並幫助他進入巴黎音樂院求學。而在音樂院求學的過程中,德布西也曾向馬蒙泰 (Antoine François Marmonte, 1816-1898)、埃米爾.杜蘭 (Emile Durand, 1830-1903)、法朗克 (César Franck, 1822-1890)等人學習鋼琴、和聲與管風琴等。

西元1880年,德布西開始為柴可夫斯基 (Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893)的贊助者梅克夫人服務,擔任家庭鋼琴教師,在旅居俄國的這兩年間,他接觸到音樂家穆索斯基 (Modest Mussorgsky,1839-1881),並深受其影響。西元1882年開始,德布西連續參加羅馬大獎,直到第三年,終於以一首清唱劇《浪子》獲得首獎。之後,他結識了詩人馬拉美 (Stephane Mallarme, 1842-1898),並遇見了許多具領導地位的象徵主義文學家與印象派畫家,給了德布西相當深遠的影響,使得他日後的創作風格一反傳統所講究的優美旋律與樂曲架構,改而追求一種聲音色彩瞬間變化所產生的音響效果。

西元1902年,德布西的歌劇 (Opera)《佩利亞與梅麗桑》首演,這部作品可說是德布西藝術生涯的轉捩點。之後,他陸續完成了幾部重要的作品,包含《牧神的午後》、《版畫》、《映象》、《海》、《兒童天地》、《前奏曲》、《十二首練習曲》……等。西元1916年,受癌症所苦的德布西,完成他最後一部作品-《小提琴奏鳴曲》,於兩年後的3月25號,因直腸癌病逝,享年56歲。



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戴流士 (Frederick Delius, 1862-1934)

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戴流士 (Frederick Delius, 1862-1934) 於1862年出生於英國的約克郡。身為羊毛商之子,戴流士從小就有機會跟著父親走訪歐洲許多國家,包括了瑞典、挪威、法國和德國都有父子倆的足跡,而歐洲美麗的風光更深深烙印在小戴流士的心裡,影響了他日後的音樂創作。

儘管父親一直希望戴流士能繼承家業,然而戴流士對音樂的喜愛卻與日俱增。23歲時,戴流士前往美國佛羅里達經商,當地的大自然美景以及黑奴美妙的歌聲,啟發了戴流士年輕浪漫的靈魂。於是戴流士便跟著當地的音樂老師學習,希望透過音樂抒發內心滿懷的情感。

戴流士最受世人熟悉的音樂作品,是他創作的一系列帶有豐富田園色彩的管弦樂作品。而他前半生的創作幾乎都在德國發表,因此在德國,戴流士享有如同理查‧史特勞斯 (Richard Strauss, 1864-1949)一樣的崇高地位。相較之下,戴流士在他的祖國英國卻沒沒無聞不受重視。

1907年,英國知名的指揮家畢勤爵士 (Sir Thomas Beecham, 1879-1961) 初次接觸戴流士的作品後驚為天人,從此積極投入推廣戴流士音樂的工作,在他後半生五十多年的指揮生涯裡,不停地在世界各國演出戴流士的作品,並灌錄一系列的錄音。

畢勤爵士的努力不懈也贏得了作曲家本人的激賞,戴流士認為畢勤爵士充分掌握了作品的弦外之音並加以完整呈現,實屬難得。也因為畢勤爵士的熱情付出,使得戴流士的音樂開始在英國受到矚目,更奠定了他一代英國作曲宗師的地位。



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阿倫斯基 (Anton Arensky, 1861-1906)

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提到俄式浪漫,你一定會想到拉赫曼尼諾夫 (Sergei Rachmaninov, 1873-1943)史克里亞賓 (Alexander Scriabin,1872-1915)。但若要說到這股興起於十九世紀的俄式浪漫源頭,那就不能不提及這兩位音樂家的老師-莫斯科音樂院教授阿倫斯基 (Anton Arensky, 1861-1906)。

十九世紀中葉的俄國音樂出現路線之爭,以柴可夫斯基 (Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893)為首的西化派與以俄國五人團為首的本土派為當時的俄國音樂開啟了截然不同的風格,許多音樂家也被貼上了代表兩方陣營的標籤。在雙方陣營劍拔弩張的氣氛中,阿倫斯基卻能自外於這些紛擾,結合兩家所長寫出自己的音樂,為十九世紀的俄國音樂樹立新的典範。

在聖彼得堡音樂院學習,師承五人組成員林姆斯基-高沙可夫 (Nikolai Rimsky-Korsakov,1844-1908) 的阿倫斯基,畢業後即獲邀到莫斯科音樂院教授作曲。期間不僅受到柴可夫斯基西化風格的影響,更進一步將蕭邦 (Frederic Chopin, 1810-1849)舒曼 (Robert Alexander Schumann, 1810-1856)等人的音樂風格溶入在自身作品中。阿倫斯基擅以俄國民謠為素材,用西式手法加以擴張發展,形成了十九世紀俄式浪漫音樂的先驅。

在阿倫斯基的音樂裡,完美展現了「俄學為體、西學為用」的大熔爐精神,不論是交響曲 (Symphony)或是室內樂皆充滿著優雅的法式風情與質樸的俄式旋律。雖然在壯年之齡便因病離開人世,但他所留下的作品卻是世紀之交最珍貴的一股清流。


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馬勒 (Gustav Mahler, 1860-1911)

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西元1860年7月7號,馬勒 (Gustav Mahler, 1860-1911) 出生於波希米亞地區的喀里希特一個猶太裔家庭。在一心想出人頭地的父親刻意栽培下,馬勒進入了維也納音樂學院學習鋼琴、作曲與指揮。

畢業後的馬勒,從西元1880年起,開始其起伏波折的指揮生涯。首先,他在奧地利北部的小劇院擔任指揮的工作,到了西元1885年,他來到布拉格工作。在這段期間,他曾演出莫札特 (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)華格納 (Wilhelm Richard Wagner, 1813-1883)歌劇 (Opera)作品,並深獲布拉姆斯 (Johannes Brahms, 1833-1897)大力讚賞。西元1886年之後,馬勒陸續在萊比錫和布達佩斯劇院指揮演出。西元1891年,馬勒在漢堡歌劇院首次獲得長期聘任。在漢堡歌劇院任職的六年期間,馬勒陸續完成了第一號交響曲《巨人》和《少年的魔法號角》。西元1907年,馬勒轉往紐約大都會歌劇院指揮,兩年後,接下紐約愛樂首席指揮一職。

馬勒的母親總共生了14個孩子,但當中只有6個孩子長大成人;而他和妻子艾瑪所生的兩個女兒當中,長女瑪利亞不幸在4歲時因病夭折。一生飽受死亡陰影之苦的馬勒,不斷地以音樂來排解對於死亡的恐懼。縱然馬勒的第四號交響曲在當時曾獲得些許好評,但一直到西元1910年,第八號交響曲首演,馬勒才真正在音樂上得到肯定。西元1911年5月18號,馬勒因鏈球菌感染病逝於維也納,留下未完成的第十號交響曲。



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阿爾班尼士 (Isaac Albeniz, 1860-1909)

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堪稱西班牙近代最偉大的作曲家兼鋼琴演奏家的阿爾班尼士 (Isaac Albeniz, 1860-1909),西元1860年5月29號出生於西班牙卡的太羅尼亞省。雖然不是出身於音樂世家,但阿爾班尼士在相當年幼時,便已展現出過人的才華。之後,阿爾班尼士進入音樂院學習,但枯燥乏味的學院生活並不能滿足好奇心旺盛的小小天才,於是,他離開了學校,開始四處旅行,並以演奏音樂維生。也因此,年僅13歲的阿爾班尼士,足跡已遍佈阿根廷、巴西、美國、英國、德國等地,還因此獲得了「神童鋼琴家」的美譽。

閱歷豐富的阿爾班尼士,23歲返回家鄉後,開始關心自己國家的音樂,創作了如《西班牙組曲》等樂曲;1905到1909年間,更寫下著名的12首《伊貝利亞》鋼琴組曲 (Suite),此曲融合了西班牙民族樂風與德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)印象派的手法,深受大眾的喜愛。阿爾班尼士廣泛地取材家鄉的音樂,讓原本只流行於當地的音樂登上國際舞台,可說是西班牙古典樂的最佳代言人。

除了鋼琴外,阿爾班尼士也擅長吉他演奏,他雖然沒有特別為吉他創作樂曲,但是他的鋼琴作品卻深受吉他音樂影響,因此他的作品多半被改編為吉他曲。



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普契尼 (Giacomo Puccini, 1858-1924)

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威爾第 (Giuseppe Verdi, 1813-1901)之後最偉大的義大利歌劇 (Opera)作曲家普契尼 (Giacomo Puccini, 1858-1924),西元1858年12月22號,出生於義大利盧卡。普契尼家族中好幾代都產生過音樂家,然而普契尼小時候並沒有顯露出特殊的音樂天份,直到10歲時加入教會唱詩班,他的音樂潛能才逐漸發揮。

西元1876年,普契尼步行20多公里到比薩觀賞威爾第的歌劇《阿依達》,這一次的經驗對他造成極大的震撼,使他決定成為一個歌劇作曲家。而普契尼的一生也確實為了這個目標相當努力,除了進入米蘭音樂院與巴齊尼 (Antonio Bazzini, 1818-1897)、龐開利 (Ponchielli Amilcare, 1834-1886)等大師學習作曲外,更於畢業後陸續創作出許多知名的作品。

西元1893年,普契尼的第三部歌劇《曼儂.雷斯考》演出後獲得熱烈迴響,這部作品是由普契尼與劇作家雷基‧伊利卡 (Luigi Illica, 1857-1919)及喬賽普‧賈科薩 (Giuseppe Giacosa, 1847-1906)合作下產生的。接下來他們又陸續合作了《波希米亞人》、《托斯卡》及《蝴蝶夫人》3部作品,普契尼更從此成為享譽國際的作曲家,同時也確立了他歌劇大師的地位。

接下來,普契尼陸續完成了《西部女郎》、《三部曲》和《杜蘭朵公主》,然而,就在《杜蘭朵公主》即將完成之際,普契尼被診斷出罹患了喉癌。西元1924年,普契尼留下這部未完成的史詩鉅作辭世。為了紀念普契尼在歌劇上的成就,義大利的托瑞德拉古每年7月至8月間,都會舉辦普契尼音樂節。



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易沙意 (Eugene Ysaye, 1858-1931)

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尤金‧易沙意 (Eugene Ysaye, 1858-1931)是橫跨十九與二十世紀初的重要小提琴家,同時也是一位作曲家與指揮家。易沙意於西元1858年出生在比利時-列日的礦工區, 從小在父親的啟蒙下學習小提琴。小易沙意因為才華卓著,因此在學生時期受到不少當時的小提琴名家的指導,如韋尼奧夫斯基 (Henryk Wieniawski, 1835-1880)與魏歐當 (Henri Vieuxtemps, 1820-1881)都曾是他的老師。

三十歲以後的易沙意已是當時西歐最有名的小提琴家,許多法國作曲家紛紛譜寫作品題獻給他,例如法朗克 (César Franck, 1822-1890)最膾炙人口的小提琴奏鳴曲、蕭頌 (Ernest Chausson, 1855-1899)唯美浪漫的詩曲與德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)唯一的一首弦樂四重奏 (String Quartet)。後來易沙意任教於布魯塞爾音樂學院,並致力推廣法國與比利時的音樂。1918年,60歲的易沙意遠渡重洋擔任美國辛辛那提交響樂團的指揮,成功的將法國與比利時的音樂推廣到美國本土。

1937年以他之名所設立的國際小提琴大賽在布魯塞爾成立,第一位獲得這個大賽的冠軍就是知名的俄國小提琴家大衛‧歐伊斯特拉夫 (David Oistrakh, 1908-1974)。如今這個比賽名稱已改為「伊利莎白女皇國際音樂大賽」,與柴可夫斯基音樂大賽並列為小提琴演奏者最重要的兩項音樂大賽。而台灣出生的音樂家胡乃元更曾勇奪該大賽的金牌,為國爭光。



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艾爾加 (Edward Elgar, 1857-1934)

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理查‧史特勞斯 (Richard Strauss, 1864-1949)頌讚為英國第一位改革派作曲家的艾爾加 (Edward Elgar, 1857-1934),西元1857年6月2號出生於英國一個小村莊。從未受過正規音樂教育的艾爾加,靠著天賦自學鋼琴與小提琴。雖然出身貧寒,但艾爾加在音樂這條路上很早就展露出雄心壯志,終於在1898年,艾爾加寫出了《謎語變奏曲》,這部作品讓他一舉成名,並得以展開全新的生活。

此後,艾爾加又陸續創作出清唱劇《傑隆提斯之夢》以及《威風凜凜進行曲》。創作上的成功,為艾爾加帶來了更大榮耀,1904年,艾爾加接受英王召見,並受封為爵士。同年,牛津、耶魯兩所大學又先後授予他榮譽博士的學位,出身卑微的艾爾加,經過一番努力後,終於在音樂領域上揚眉吐氣。

對於艾爾加的成功,有一部分得歸功於他妻子的支持。艾爾加的妻子愛麗絲,不僅是他生活中的伴侶,更是他創作的靈感泉源。著名的《愛的禮讚》,就是愛麗絲於婚前寫給艾爾加的一首詩,隨後艾爾加將它譜曲,並回贈給愛麗絲。後來,艾爾加還將此曲編成鋼琴獨奏、小提琴和鋼琴,以及管絃樂曲三種演奏版本,深受後人的喜愛。




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楊納傑克 (Leos Janacek, 1854-1928)

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說到大器晚成的作曲家,就不能不提致力於推廣本土音樂的「楊納傑克 (Leos Janacek, 1854-1928)」。他1854年出生於捷克莫拉維亞省,與德佛札克和史麥坦納,並稱為西洋音樂史上最重要的三位捷克作曲家。

楊納捷克並沒有遵循古典音樂的脈絡,而是在現實主義中另闢蹊徑,因此早期過得並不順遂。學生時代的作品被音樂院的教授批評太過自由、不夠縝密思考,參加過作曲比賽的作品,最後都無疾而終。他遭受世人漠視的才華以及泉湧般的創造力,一直到晚年才逐漸受到樂壇的肯定。

1904年 ,50歲的楊納傑克在他的家鄉布爾諾首演他的歌劇 (Opera)《顏如花》(Jenufa),獲得空前的成功。20年後,71歲的楊納傑克完成了他最出色的作品「小交響曲」。第一樂章一開始,便使用九支小號、兩支低音小號以及兩支上低音號,震耳欲聾的號角旋律,加上定音鼓重擊的聲響,這樣前衛的音響效果完全與傳統德奧樂派的理論背道而馳。

懷抱民族主義的熱情在楊納捷克的音樂中可見一斑。他致力於推廣捷克的民族音樂,畢生採集故鄉民歌,苦心鑽研他獨創的音樂語彙。這位大器晚成的作曲家,與西方主流的音樂思潮分庭抗禮,為20世紀的音樂發展開拓了嶄新的視野。



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佛瑞 (Gabriel Fauré, 1845-1924)

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19世紀末的法國音樂如百花齊放,從德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)拉威爾 (Maurice Ravel, 1875-1937)薩替 (Erik Satie, 1866-1925),無一不為法國音樂留下鮮明印記。但如果要從中選出一位最具法國風情的音樂家,那絕非佛瑞 (Gabriel Fauré, 1845-1924)莫屬。

佛瑞出生書香世家,九歲時移居巴黎進入尼德梅耶音樂學校就讀,在那裡佛瑞習得了豐沛的音樂知識與理論,後來更在恩師聖桑 (Camille Saint-Saëns, 1835-1921)的指導下,打下了深厚的作曲基礎。20歲自音樂學校畢業後,佛瑞在法國各大教堂擔任管風琴師,為宗教音樂奉獻心力。日後也追隨聖桑,加入了國民音樂協會,為法國本土音樂的發展而努力。

50歲那年,佛瑞受聘擔任巴黎音樂院教授,並在十年後升任巴黎音樂院院長。在這段期間,佛瑞致力於音樂院學風的改革,不僅門下出了許多優秀的弟子如拉威爾、杜卡斯 (Paul Dukas, 1865-1935)等人,更塑造了巴黎音樂院獨特的樂風與形象,最終成為了培育法國優秀音樂人才的搖籃。

佛瑞的音樂纖細富有詩意,他摒棄德奧音樂的厚重繁雜,追求精緻典雅。他以室內樂、藝術歌曲 (Art Song)為創作主流,在一首又一首的珠玉之作中展現精巧與智慧,為法國音樂走出了自己的格局,也為後輩音樂家打開全新視野。

佛瑞的一生安逸穩定,晚年雖為耳疾所苦,但卻依然寫出許多傑作。他的音樂就如同他的個性一般溫暖內斂,在喧囂中帶給樂迷最寧靜的浪漫,淡雅而芬芳。


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林姆斯基-高沙可夫 (Nikolai Rimsky-Korsakov,1844-1908)

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俄羅斯在沙皇統治的三百多年期間,廣泛地接受來自歐洲大陸的音樂。然而,隨著帝國威權的動搖,新的音樂運動開始發酵,原本就存在於這片土地的民族音樂,逐漸受到作曲家們的重視與運用。著名的「俄國五人組」,就是在這樣的氛圍下應運而生。

作為「俄國五人組」成員中成就最高、作品最多的一位,出生海軍世家的林姆斯基-高沙可夫 (Nikolai Rimsky-Korsakov,1844-1908),年輕時曾投身軍旅。從軍期間的航海經驗,使得林姆斯基-高沙可夫有機會接觸到更多的國家,這不僅開拓了他的視野,也成為日後創作上的寶貴素材。

離開軍隊後,林姆斯基-高沙可夫轉入音樂教育工作,進而促使他開始學習正統的作曲理論,雖然他的音樂知識幾乎是靠勤奮自學而來,卻為俄羅斯培育出包含史特拉汶斯基 (Igor Stravinsky, 1882-1971)普羅高菲夫 (Sergei Prokofiev, 1891-1953)在內的許多優秀音樂人才。

拉赫曼尼諾夫 (Sergei Rachmaninov, 1873-1943)稱許為首屈一指的音樂繪畫大師,林姆斯基-高沙可夫對於管弦樂音色與配器法的掌握相當傑出,被視為是繼白遼士 (Hector Berlioz, 1803-1869)之後最擅長管弦樂的作曲家。他的作品充滿濃厚的東方幻想色彩,搭配上俄羅斯的民歌旋律,是「俄國五人組」當中最富民族色彩的作曲家。無論在音樂或教育方面,林姆斯基-高沙可夫都為俄羅斯留下了寶貴的藝術文化資產。


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薩拉沙泰 (Pablo de Sarasate, 1844-1908)

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西班牙有個相當著名的「奔牛節」,每年的七月會在納瓦拉省的龐普隆納舉辦;而被西班牙視為民族英雄的作曲家及小提琴家薩拉沙泰 (Pablo de Sarasate, 1844-1908),就是出生在這樣一個熱情奔放的古城。

薩拉沙泰不僅天賦異稟,還是個運氣相當不錯的音樂家。他在10歲時就獲得了在國王皇后面前演奏的機會,更因此深受他們的喜愛,不僅贈送名琴還提供獎學金。而不辜負這份幸運的薩拉沙泰,只花了9個月就從巴黎音樂學院畢業,不過他並沒有選擇留在歐洲發展,反倒背起琴,遠渡重洋到北美洲和南美洲巡迴演出,而巡演的成功,不僅為他賺進了大筆金錢,還讓他風風光光衣錦還鄉。回到歐洲的薩拉沙泰,立刻獲得歐洲樂迷的瘋狂喜愛,連他的故鄉西班牙都視他為民族英雄,不僅為他舉辦火炬遊行,甚至還提供免費搭乘火車的特殊待遇。

薩拉沙泰的演奏技巧爐火純青,堪稱是繼帕格尼尼 (Niccolò Paganini, 1782-1840)之後琴藝最精湛的小提琴家。在他傳世的經典作品中,最為人所知的首推〈流浪者之歌〉,這首技巧高超的樂曲,經常是小提琴家挑戰演奏實力的曲目之一。除了華麗、炫技的作品外,薩拉沙泰為了推廣正統的西班牙音樂,陸續創作了八首〈西班牙舞曲〉,無論是他的人或作品,都被視為西班牙的民族榮耀。



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葛利格 (Edvard Grieg, 1843-1907)

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國民樂派在19世紀下半及20世紀初盛極一時,作品當中大量採用了各民族的傳統音樂為素材,呈現出鮮明的民族風格。在北歐,重量級的國民樂派音樂家,除了西貝流士 (Jean Sibelius, 1865-1957)外,還有葛利格 (Edvard Grieg, 1843-1907)。西元1843年6月15號,葛利格出生於挪威西岸的卑爾根。當時的卑爾根,是北歐最大的港口,經濟繁榮、人文薈萃,葛利格創作的靈感泉源,得自於故鄉如此優渥的環境,展現出一股獨特的清新風格。

葛利格六歲起,開始跟隨母親學習鋼琴,隨後進入德國萊比錫音樂學院就讀。回國後的葛利格,以將挪威音樂推廣至全世界為一生職志,結合了幾位志同道合的朋友,共同創辦了「尤特比音樂協會」,致力於研究並發揚挪威的民族音樂。西元1874年,挪威政府頒給他優厚的終身年俸,葛利格自此專心從事樂曲創作。

在葛利格的創作中,以《皮爾金》組曲 (Suite)及《a小調鋼琴協奏曲》最為著名。葛利格在25歲時完成了《a小調鋼琴協奏曲》這首經典名作,受到熱烈迴響,葛利格也因此曲,被當時著名的指揮家畢羅 (Hans von Bülow, 1830-1894)譽為「北歐的蕭邦」。

葛利格一生的後三十年歲月中,經常應歐洲各國邀請前往演奏,除了有機會結識許多音樂家外,葛利格也將挪威的音樂介紹給歐洲。西元1907年9月4號,葛利格病逝,挪威政府甚至為他舉行莊嚴的國葬,表達對他崇高的敬意。



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德弗札克 (Antonín Dvořák, 1841-1904)

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堪稱波希米亞最偉大作曲家的德弗札克 (Antonín Dvořák, 1841-1904),西元1841年9月8號出生於捷克一個小農村,他的父親在鎮上經營旅店與肉舖生意,雖然從小便嶄露出非凡的音樂天賦,但為了繼承家業,使得德弗札克一開始接受的並不是音樂教育,而是學習如何宰殺豬羊。所幸,他的小學音樂老師看出了他擁有不凡的音樂潛力,於是積極鼓勵他改走音樂道路,才使得德弗札克有機會接受正規的音樂教育。

相較之下,德弗札克在音樂這條路上可說相當幸運,受到了許多貴人的提攜與協助。1875年,在一次申請國家獎助金的過程中,德弗札克受到當時擔任評審的布拉姆斯 (Johannes Brahms, 1833-1897)提拔,並將他介紹給出版商辛洛克。隨後,德弗札克寫出著名的《斯拉夫舞曲集》,出版後受到熱烈歡迎,開始在樂壇上嶄露頭角。自此之後,包括大指揮家李希特 (Karl Richter, 1926-1981)、畢羅 (Hans von Bülow, 1830-1894)、小提琴家姚阿幸 (Joseph Joachim, 1831-1907)以及各國許多傑出的演奏家都熱心演奏德弗札克的作品,他的聲名因而傳遍了整個歐洲。

外型粗獷的德弗札克,其實有著樸實可愛的性格。與許多音樂大師不同的是,除了音樂之外,德弗札克還是個狂熱的火車愛好者。生長在鄉下的他,從第一次見到火車後,就對它十分著迷,甚至養成了每天步行到車站看火車的習慣;此外,德弗札克也熱中於養鴿子。(這些)對於生活的好奇與體驗,無疑地也反映在德弗札克豐富濃郁的創作當中。



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夏布里耶 (Emmanuel Chabrier, 1841-1894)

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夏布里耶 (Emmanuel Chabrier, 1841-1894)是19世紀法國少數幾位從未念過音樂院的音樂家之一。雖然自小就展露了音樂天份,但卻在父親的要求下前往巴黎學習法律。始終未曾忘懷音樂的夏布里耶,常在課餘時向友人學習作曲理論。

畢業後,夏布里耶擔任政府公職,此時的他與巴黎藝文圈來往甚密,不僅與馬奈 (Édouard Manet, 1832-1883)、莫內 (Oscar-Claude Monet, 1840-1926)等畫家相知相惜,更常向丹第 (Vincent d'Indy, 1851-1931)、佛瑞 (Gabriel Fauré, 1845-1924)等大師討教作曲技法,不時寫作一些音樂小品用以自娛娛人。

原以為會就此一生,但沒想到就在38歲那年,夏布里耶在慕尼黑聽到了華格納 (Wilhelm Richard Wagner, 1813-1883)的《崔斯坦與伊索德》後大受感召,放棄了終身職要將餘生奉獻給音樂。

40歲那年,夏布里耶與妻子來到西班牙度假,明媚的風光與熱情的人們讓夏布里耶流連忘返,回國後接連創作了多首以西班牙音樂為素材的經典樂曲。在這一系列作品中,以《西班牙狂想曲》最為知名,音樂中輕快的旋律與豐富的和聲如同陽光與歡笑灑落在五線譜上,不僅音樂迷人,嘉年華會般的氣氛更具感染力。

曾有人這麼說過:19世紀的法國音樂,如果沒有西班牙風情的增色,肯定只剩文謅謅的匠氣;然而正是夏布里耶的巧筆一揮,讓西班牙的豪放與細膩融入法式優雅,不僅為世紀之交的法國音樂開啟了新格局,更為後輩音樂家如德布西 (Achille-Claude Debussy, 1862-1918)拉威爾 (Maurice Ravel, 1875-1937)提供了全新的創作視野。

夏布里耶,是19世紀法國音樂的先驅,在明亮歡樂的樂風中引領世人用音樂擁抱世界,擁抱愛。


※本文由古典音樂台撰寫編輯